Чем примечательна хорватская наивная живопись. Хорватское наивное искусство

Знаменитый представитель хлебинской школы наивной живописи ИВАН ГЕНЕРАЛИЧ (Generalic) -- хорватский художник-самоучка (21 дек. 1914, село Хлебине, Хорватия — 27 нояб. 1992, там же). Создав в 1930 в родном селе Хлебине школу крестьянских живописцев, он стал одним из самых известных в мире мастеров «наивного искусства». Его живопись (по холсту или на стекле) в целом красочна и мажорна, полна фольклорного оптимизма, но включает и немало скорбных мотивов памяти о терроре времен Второй мировой войны.

Биография родившегося в крестьянской семье художника не изобилует событиями — всю жизнь он прожил в родном Хлебине. Интерес к искусству проявился рано, но профессионального образования он не получил. Всерьез заняться живописью его побудил загребский живописец Крсто Хегедушич, представитель левых интеллектуалов: в 1931 он привлек Генералича и его односельчан, Франьо Мраза и Мирко Вириуса, к участию в выставке своей группы «Земля» в Загребе.

В межвоенное двадцатилетие открытие профессионалами творчества «наивных» художников, свободных от догм традиции, отвечало задаче демократизации общества, открывало новые выразительные возможности искусства.Творчество хлебинцев положило начало Хлебинской школе наивной живописи, ныне известной всему миру, а Иван Генералич по праву считается патриархом наивной живописи Хорватии.

Особенности творчества. Темы социального неравенства, характерные для раннего периода, сменились рассказами о крестьянской жизни Хлебина. Это жанровые, реже аллегорические сцены с множеством деталей крепко сколоченного мужицкого быта, пейзажей, оживленных фигурок людей. Проза ежедневья соседствует со сказкой: свирепые быки и райские птицы, отрешенные олени и таинственные единороги. Емкие символы в картинах «Подсолнухи» (1970), «Кот у свечи» (1971), «Олень в лесу» (1956) представляют народную фантазию и высокую поэтичностью личности художника.

Произведения Генералича — камерных размеров и написаны маслом по стеклу. Подобным образом в старину писались иконки в альпийских областях Хорватии и Словении — свет, проходя через стекло, создает особо насыщенный колорит. Художник верен народному промыслу и в манере изображать мир: уплощенное изображение, четкость контура, ритмичность ковровой композиции, в которой все детали равновелики и равнозначны. Народное видение мира, наивное и мудрое, сочетается с опытом знакомства художника с массовой изобразительной продукцией — кичем, что породило неповторимый сплав детской непосредственности восприятия со смелостью художественных решений.

Творчество Генералича, оторвавшееся от народного ремесла и не примкнувшее к образованному искусству, образовало особую нишу, влившись в интернациональный художественный процесс. Художник свободен от рамок традиции и норм стиля, однако подспудно история искусств все же отразилась в его творчестве. Так, его знаменитая картина «Под грушевым деревом» (1943) высоким горизонтом композиции и сдержанным колоритом напоминает полотна Брейгеля Старшего, картина «Оленьи сваты» (1961) полна очарования древневосточных рельефов, а «Хлебинская Мона Лиза» (1972) в виде курицы осмеивает расхожие стереотипы.

Патриарх хорватской наивной живописи Генералич создал целую плеяду мастеров хлеинской школы. Вместе с ним картины писал и его сын Иосип. Произведения Генералича и его коллег хранятся в галерее Наивного искусства в Загребе, а также в музеях многих стран мира.

Хочу немного познакомить читателей сообщества с хорватской живописью. И рассказать об одной из самых знаменитых хорватских художниц и величайшей художнице-акварелистке этой страны - Славе Рашкай.

Ее творчество неразрывно связано с трагической историей ее жизни.

Родилась Слава в 1877 г. в городе Озаль, богатом хорватской историей. Городе, который был владением самых влиятельных аристократических семей, в котором имел резиденцию бан Петар Зрински, и который в 17 веке был литературным и культурным центром. Глухонемая от рождения, Слава была замкнутым ребенком и недостаток общения с людьми компенсировала общением с природой, что помогло ей глубоко понимать, ценить природу и прекрасно изображать ее на своих картинах.

Первые карандашные рисунки цветов появились уже в Венской школе для глухонемых детей, где она училась в возрасте от 7 до 15 лет. Художественную одаренность Славы впревые заметил учитель из ее родного города, приехавший в Загреб для того, чтобы занять пост руководителя Института по обучению детей с ослабленным слухом и речью. Он отвел Славу к известному тогда художнику Белe Чикош-Сесию (одному из создателей Академии Искусств в Загребе), у которого она стала учиться живописи. Отбросив художественное влияние Чикоша, которое состояло в использовании преимущественно темных тонов, Рашкай нашла себя в акварели, ставшей ее любимом видом художественного самовыражения.

Творчество С. Рашкай обычно делят на 2 фазы, в первой из которых рисунок и цвет - это результат чистого наблюдения, кристально ясного видения красоты природы. Для второй фазы характерно выражение своих впечатлений (импрессия) и в этот период были написаны ее лучшие акварели. Тогда был написан знаменитый цикл Рашкай "Кувшинки", родившийся под впечатлением от маленького озера в ботаническом саду Загреба.

В 1898 г. она участвовала в выставке хорватских художников в Загребе, а в 1899-1900 выставлялась в Москве и Санкт-Петербурге.

Славу Рашкай называют иногда Офелией хорватской живописи. Не только из-за необычных, особой красоты тонов, и особенности переживаний, выраженных в ее картинах, но и из-за ее романтичной, но трагичной судьбы молодой девушки. Она была несчастно влюблена в своего учителя и эти чувства, по словам нeкоторых авторов, нашли отражение в портрете Белы, который она написала (как я ни старалась, к сожалению, не смогла найти этот портрет). Существует две версии о том, каковы были отношения Рашкай и Чикоша. По одной, они были лишь близкими коллегами и только сотрудничали в области живописи. По другой, это все же была любовная история, тайная, поскольку Чикош был не только сильно старше Славы, но и был женат. Правду об этих отношениях узнать, видимо, уже не удастся. Считается, что Слава подробно рассказывала о своей жизни в письмах матери, которые она завещала похоронить вместе с собой в гробу, но они сгорели при пожаре в доме ее сестры в Будапеште. К трагичным обстоятельствам жизни можно причислить и разрушение ее дома в родном городе, около 40 ее утерянных работ.

Незадолго до своего душевного заболевания она написала Автопортрет, а после этого в ее работах появляется все больше экспрессии, смешение визуального и фантастического. Состояние глубокой депрессии, из-за которого она была помещена в больницу для душевнобольных в 1902, безусловно, отразилось и в картинах, в выборе тонов и изображаемых мотивов - развалины, заброшенные мельницы...

Умерла она от туберкулеза в 1906 г. в возрасте всего лишь 29 лет, в Загребе, и останки были перенесены в родной город Славы Рашкай - Озаль.

При жизни Слава Рашкай была лишь отчасти признана как художница. Она участвовала в выставках, некоторые ее работы были проданы, но за суммы, невероятно малые по сравнению с ценой картин других художников тогдашнeго времени. Отчасти и потому, что она была художница, а женские работы критиками часто воспринимались скорее как прихоть и развлечение, а не настоящее искуство, отчасти потому, что акварель и ее малые форматы были совсем "не в ходу", жанр считался несколько несерьезным, а богатые покупатели искали большие массивные полотна.А критиков смущала и любовь Славы к пленэру, поскольку свои пейзажи она писала полностью на открытом воздухе, а не завершала их в студии, как было тогда принято. Однако, критик В. Луначек признал, что не может выделить не одну художницу того времени, кроме Славы Рашкай, которая, по его мнению, стала бы популярна и при жизни, продлись она дольше.

Матиа Скурьени (Matija Skurjeni) классик хорватского наивного искусства, один из самых ярких представителей "независимых" (наравне с Рабузиным и Фейшем), художник, чье творчество заслужило большое международное признание.

Мир животных, масло/холст. 1961 г.

Родился Матиа Скурьени 14 декабря 1898 года в селе Ветерницы, рядом с городком Златар, в Хорватском загорье, седьмым ребенком в семье. Отец и мать работали, но были настолько бедными, что даже не смогли отправить маленького Матиа в школу. Грамоте научился у старших братьев, а как следует читать и писать уже намного позже, в армии. До двенадцати лет работал в своем селе пастухом, затем уехал на строительство железной дороги, и стал железнодорожным рабочим. В том же 1911 году начал понемногу учиться художественному искусству (а попросту малярному ремеслу) - росписи стен. Во время Первой мировой войны, в 1917 году был отправлен на восточный фронт, в Бессарабию (ныне Молдавия), в начале 1918 года был ранен в бою и отправлен в военный госпиталь.

В конце 1918 года, в составе хорватских добровольческих отрядов принял участие в освобождении Меджимурья. После демобилизации вернулся в родные Ветерницы, и стал работать шахтером.

В 1923 году возвращается в город Метлику, где завершает свое "художественное" образование, тогда же начинает рисовать первые акварели. Во время Второй мировой войны работает на государственной железной дороге, в качестве оформителя - разрисовывает вагоны. В 1946 году участвует в основании художественной секции железнодорожников RKUD "Vinko Jedut" в Загребе, тогда же начинается настоящее "обучение" художественному мастерству. Среди наставников были известные академические художники и скульпторы.

В 1948 году Матиа впервые принимает участие в одной из коллективных выставок в Загребе. Только в 1956 году, после выхода на пенсию, Скурьени целиком посвящает себя творчеству, и только тогда начинается его настоящая художественная карьера. В 1958 году организуется его первая самостоятельная выставка в Галерее примитивного искусства (будущий Музей наивного искусства) в Загребе. В 1959 году получает первую награду на 4 Интернациональной Художественной выставке в Мюнхене, в 1960 выставляется в Риме.

Самостоятельная выставка в Париже, в галерее "Mona Lisa", в 1962 году становится знаменательной вехой в его жизни. После этого - серия выставок и большое количество наград во многих странах. В 1964 году участвует в основании Общества наивных художников Хорватии.

В 1975 году Матиа Скурьени тяжело болеет (апоплексия), вследствие чего перестает работать правая рука, но творчество не оставляет - успешно рисует левой рукой. В 1984 году жертвует собрание своих картин для основания Галереи Матиа Скурьени в Запрешиче (пригород Загреба), в 1987 году происходит ее открытие.

Когда-то началось, никогда не кончается, масло/холст. 910х1315 мм. 1973 г.

Ангел войны, масло/холст, 700х905мм. 1959 г.

Музыкальная секция, масло/холст, 530х690 мм. 1959 г.

Цыганский праздник, масло/холст, 700х900 мм. 1960 г.

Первая космонавтская пара, масло/холст, 490х550 мм. 1960-1963 гг.

Старый Париж, масло/холст, 800х1300 мм. 1964 г.

Три брата заиграли в атомную свирель, масло/холст, 730х1000 мм. 1964 г.

Цыганская любовь, 1966. Холст, масло

Горгона, масло/холст, 700х560 мм. 1968 г.

Мне приснилось, что я переплываю эту бурную Саву, масло/холст, 710х530 мм. 1969 г.

Третья мировая война, масло/холст, 940х1380 мм. 1969 г.

Обнаженная с цветами, масло/холст, 700х1300 мм. 1970 г.

Марсель, масло/холст, 1300х800 мм. 1971 г.

Вид на город и мост, масло/холст. 1969 г.

Задумчивая пристань, масло/холст

Обнаженная, масло/холст, 650х850 мм. 1973 г.

Крепость, масло/холст, 744х926 мм. 1973 г.

Сон, где я голый перед мастерской И. Мештровича, масло/холст. 950х1370 мм. 1974 г.

Зоосад, масло/холст, 550х720 мм. 1974 г.

Апостол, масло/холст, 800х650 мм. 1975 г.

Матиа Скурьени. 1927 год

Матиа Скурьени. 1988 год. Фото М. Ленкович

Хорватский музей наивного искусства в Загребе - старейший музей наиварта в мире. Он был основан в 1952 году как «Крестьянская художественная галерея», потом был переименован в «Галерею примитивного искусства», и только в 90-х годах получил нынешнее свое название. В нем представлена преимущественно хорватская волна наивных художников, в особенности «хлебинская школа» (условное обозначение для нескольких поколений крестьянских художников-самоучек из села Хлебине и ближайших окрестностей недалеко от города Копривница, что на севере Хорватии).

Там вообще интересная история произошла. Основателем школы считается академический хорватский художник Крсто Хегедушич, часть детства которого прошла в Хлебине. Попав в Париж во второй половине 20-х гг., он знакомится с новейшими течениями современного европейского искусства. Там же он увидел картины на стекле французских художников, которая напомнила ему традиционную хорватскую сельскую живопись на стекле. Вернувшись в Загреб, Хегедушич время от времени живет в Хлебине, где и знакомится с молодыми художниками-самоучками из крестьян Иваном Генераличем (главный художник всего этого течения) и Франьо Мраза. По сути они в дальнейшем совместили хорватскую традицию и современный эксперимент, найдя свой собственный изобразительный язык.

Что надо прежде всего знать о хорватском наивном искусстве? Наивные художники Хорватии первой волны 30-х гг. (всего выделяют 4 поколения хорватского наиварта) были как правило выходцы из многодетных крестьянских семей. Образование было как правило 5 классов, дальше - работа на полях. Кто-то из них научился читать/писать только в армии. Многие из них до сих пор живут своим хозяйством, кто виноградниками, кто на полях. Вот вам типичный пример из жизни классика наивной живописи великого Ивана Веченая:

«Однажды в 70-х годах художник познакомился с голливудским актером Юлом Бриннером, который находился в то время в Югославии на съемках фильма. Юл буквально влюбился в творчество хорватских наивных художников, с удовольствием рассматривал картины, обсуждал их. И в итоге пригласил Ивана Веченая с женой к себе в Америку на отдых. Когда двухнедельный отпуск подошел к концу, супружеской паре предложили продолжить путешествие и поехать на берег океана во Флориду. На что жена Веченая ответила, что им пора возвращаться, потому что созрела кукуруза и нужно было собирать урожай.»

Так что основные сюжеты - это какие-то сценки из крестьянской жизни, портреты крестьян, зарисовки быта, спокойные пейзажи. Основной тезис школы выразил еще ее главный идейный вдохновитель Хегедушич: «Рисуй, что видишь». Очень характерны для этой школы живой цвет (работа с цветом из-за незнания мастерами каких-то основ признана очень смелой и диссонансной) и уникальная техника живописи на стекле реверсным методом. Вот как эту технику описывают специалисты: "Это очень трудоемкая техника, ведь автор накладывает масляную краску на картину в обратном порядке — сначала прорисовывает блики и мелкие детали, а затем слой за слоем наносит рисунок. Работая этой техникой, ничего невозможно исправить, потому что самый первый слой, который видят зрители через стекло, для автора остается как бы на «дне» произведения, к которому уже нельзя вернуться. Чтобы создавать картины в этой технике нужно обладать прекрасным пространственным мышлением и острым вниманием. Разглядывая скрупулезно прорисованные картины последователей Хлебинской школы зрители зачастую замечают, что «не такая уж она и наивная, эта наивная хорватская живопись»".

Иван Генералич

Классик хорватского и мирового наивного искусства. Иначе, как «выдающимся», его не называют уже давно. Один из первых (а, возможно, даже и первый) хорватских наивников, проникших на европейский рынок. Первая его иностранная персональная выставка прошла с небывалым для этого жанра успехом в Париже еще в 1953 году.

Выделяют несколько периодов в творчестве Генералича. Период «Бельканто» лиричен, тематика преимущественно пейзажная. Позже, в 50-е, Генералич смещается в сторону аллегории, символики, фантастики. В 60-е в его творчестве усиливается «доля театральности и сказочности».

Иван Рабузин

Еще один классик хорватского и мирового наива, которого называют «одним из самых лиричных художников XX столетия и настоящим мастером новых образов в период формирования абстрактных течений».

Рабузин, в отличие от многих наивников, все же закончил начальную школу, и начал обучаться столярному мастерству в Загребе, впоследствии сделав завидную карьеру на столярном предприятии: с 1950 по 1963 год он был сначала мастером-столяром, потом управляющим делами, потом техническим директором и, наконец, руководителем предприятия. Примерно тогда же, в 1963 году, он становится профессиональным художником.

Живопись Рабузина отличает специфичная лирика места, оригинальные формы и цвет, собственный стиль. Рабузин нашел себя в кругах (шарах, цветовых точках) - самом простом, цельном и совершенном изобразительном решении.

Мийо Ковачич

У Ковачича типичная биография наивного артиста: родился в бедной крестьянской семье в 1935 году, образование - 4 класса, самый младший из 5 детей, с детства трудился на сельском хозяйстве и домашних работах.

Жил в соседнем с Хлебина селе, в котором в это же время работал Иван Генералич. Узнав об этом, Мийо стал регулярно ходить к нему пешком в гости (8 км), чтобы получить совет и поучиться.

Живопись Ковачича (масло/стекло как обычно) характеризуется огромными (для этого вида живописи) картинами до 2-х метров, прорисованными с маниакальной детализацией, с множеством лиц и персонажей, с мистическими пейзажами, фантасмагоричной атмосферой и общей сказачностью.

Иван Веченай

Считается, что творчество Веченая выросло из услышанных в детстве притч, сельских легенд и прочего фольклора. Так же художественными критиками он признан одним из лучших колористов среди наивных художников. На его работах можно запросто встретить огненные облака, лиловую траву, зеленых коров и сизых петухов. Совместно с Иваном Генераличем и Мийо Ковачичем участвовал в «турне» хорватского наивного искусства, которое в 70-х гг. покорило весь мир.

Мартин Мехкек

Внес значительный вклад в хорватский наив прежде всего серией портретов. Систематически заниматься живописью стал по настоянию журналиста и коллекционера Г. Ледича. Совершенствуя технику рисования на стекле, он создает портреты окружающих его людей: соседи, цыгане, крестьяне, поденные рабочие. Так он и стал выдающимся портретистом.

Эмерик Фейеш

Пожалуй, один из самых прекрасных примеров хорватского наив-арта. Первые картины им были написаны в 1949 году в возрасте 45 лет. Тогда он уже был прикован к постели по инвалидности. Фейеш известен прежде всего городскими пейзажами. При этом он ни разу не бывал во всех этих городах - все его работы были срисованы с открыточек. Причем черно-белых открыточек, что давало ему возможно довольно вольно обращаться с цветом. Что он не без удовольствия и делал.

Вот, что о нем писали исследователи: «Фейеш пользуется значительным упрощением, свободой в композиции, раскованной, можно сказать, алогичной перспективой, что приводит к изменениям в тектонике архитектурных форм, реальных пропорций, отсутствию объема и произвольности цветовых решений».

Работы его производят мощное впечатление: полное игнорирование реальных цветов, всех правил перспективы, попорций и объема, с плоской архитектурой (никакой трехмерности!), близкие и дальние объекты имеют одинаково четкие и интенсивные цвета. Ну и конечно почти везде завален горизонт. В общем - классика!

Фейеш умер в 1969 году в почете и уважении: он принимал участие во всех престижных выставках наива, его творчеству уделяют внимание «все серьезные монографии, посвященные этому специфичному художественному феномену 20-го века».

(использованы материалы исследований хорватского наив-арта Владимира Темкина)

Выставка с таким названием, открывшаяся в Москве в Музее наивного искусства, стала поводом для интервью с коллекционером Владимиром Темкиным. Он привез в столицу работы 16 хорватских художников, представителей четырех поколений последователей знаменитой Хлебинской школы.

Аудиозапись: Adobe Flash Player (версия 9 или выше) требуется для воспроизведения этой аудиозаписи. Скачать последнюю версию . К тому же, в Вашем браузере должен быть включен JavaScript. Время культуры на радио «Благо» — 102,3 FM

«Наивная подравская живопись характеризуется мотивами из повседневной деревенской жизни, спокойными пейзажами, а также живым локальным цветом, особенно характерным для уникальной техники живописи на стекле. Мотивы, цвета и техника настолько типичны, что картину Хлебинской школы в равной степени узнают и мировые эксперты, и критики, и простые любители», — зачитывает Владимир собственную цитату в одном из каталогов. С хорватскими художниками он дружит довольно давно, причем именно дружит - с 13 из 16 авторов работ на выставке в Москве Владимир Темкин был знаком лично. Коллекционер признается, что для него это не просто покупка произведений искусства, но возможность для обретения друзей, общения, творчества.

Хлебинская школа в Хорватии никогда не выглядела как классическое учебное заведение с программами, партами и учениками. Этим термином принято называть процесс передачи знаний и традиций из поколения в поколение хорватских художников самоучек. У истоков этого процесса в 30-е годы прошлого века стоял академический художник, выходец из села Хлебине в Хорватии Крсто Хегедушич. После учебы в Париже молодой художник вернулся на родину и интуитивно искал возможность самовыражения для себя и своего народа. «Хлебинская школа в период становления одновременно испытала на себе влияние и социокультурного контекста, и идей, вдохновленных профессиональной живописью, и народного чувства-настроения той поры», — пишет в каталоге к выставке заместитель директора Музея наивного искусства Александра Володина, — «Выбранные Хегедушичем средства выразительности - живопись по стеклу и яркий колорит - теперь являются визитной карточкой Хлебинской школы».

Примерно в 90% случаев хорватские наивные художники пишут картины на стекле так называемым реверсным способом. По словам Владимира Темкина, это очень трудоемкая техника, ведь автор накладывает масляную краску на картину в обратном порядке - сначала прорисовывает блики и мелкие детали, а затем слой за слоем наносит рисунок. Работая этой техникой, ничего не возможно исправить, потому что самый первый слой, который видят зрители через стекло, для автора остается как бы на «дне» произведения, к которому уже нельзя вернуться. Чтобы создавать картины в этой технике нужно обладать прекрасным пространственным мышлением и острым вниманием. Разглядывая скрупулезно прорисованные картины последователей Хлебинской школы зрители зачастую замечают, что «не такая уж она и наивная, эта наивная хорватская живопись».

Сюжеты из крестьянского быта, выполненные сложной техникой живописи на стекле, получили признание во всем мире. Как рассказал Владимир Темкин, художники Хлебинской школы побывали с выставками на всех континентах, принимали участие в приемах президентов и членов королевских семей.

Однако когда впервые основатель Хлебинской школы Крсто Хегедушич показал широкой публике работы своих учеников, молодых крестьян, в Загребе разразился скандал. Картины Ивана Генералича, Франьо Мраза и других учеников Хегедушича, которые не имели классического художественного образования вначале не хотели признавать в качестве искусства. Как подчеркивает Темкин, Хегедушич активно продвигал творчество крестьян и стремился доказать, что талант не связан с происхождением и не является привилегией высокого класса, как это было в академическом искусстве. Хегедушич настоятельно просил своих учеников ничего не придумывать и не фантазировать, рисовать только то, что их окружает, быт простого крестьянина.

Так и сложилось, что наивные хорватские живописцы не только представляли бытовую жизнь села Хлебине в своих работах, но и сами оставались крестьянами. «Все, о ком мы говорим, не смотря на то, что они всемирно признанные художники, они и сейчас остаются крестьянами. Например, Мийо Ковачич, до сих пор живет на своем хозяйстве. Каждый день пропадает в виноградниках, сеет кукурузу, сажает картошку, гонит мед, занимается пчелами. Все это продолжается, несмотря на то, что человек признан во всем мире как художник», — рассказывает Владимир Темкин.

Наш собеседник привел пример из жизни наивного живописца Ивана Веченая. Однажды в 70-х годах художник познакомился с голливудским актером Юлом Бриннером, который находился в то время в Югославии на съемках фильма. Юл буквально влюбился в творчество хорватских наивных художников, с удовольствием рассматривал картины, обсуждал их. И в итоге пригласил Ивана Веченая с женой к себе в Америку на отдых. Когда двухнедельный отпуск подошел к концу, супружеской паре предложили продолжить путешествие и поехать на берег океана во Флориду. На что жена Веченая ответила, что им пора возвращаться, потому что созрела кукуруза и нужно было собирать урожай.

На выставке представлены работы живописцев примерно за 80 лет существования феномена Хлебинской школы. Авторская литография Ивана Генералича (первое поколение), картины Мийо Ковачича, Ивана Лацковича, Йосипа Генералича, Мартина Мехкека и живописцы, которые, стоят на пороге истории, их произведения тоже являются признанными. Среди них Никола Веченай Лепортинов, Мартин Копричанец (второе поколение).

Третье поколение наивных художников Хорватии наиболее многочисленное. Степан Иванец, Нада Швегович Будай — это авторы, работы которых находятся в постоянной экспозиции Музея наивного искусства в Загребе. По следам их творчества написано большое количество статей и монографий. Кроме того к третьему поколению относят Владимира Иванчана, Мирко Хорвата, Ивана Андрашича, Бисерку Златар.

По словам Владимира Темкина, к четвертому поколению последователей Хлебинской школы можно причислить буквально пятерых художников. Самым талантливым из них, по признанию многих критиков и искусствоведов, является Дражен Тетец, кстати участник Триеннале «Фестнаив-2013» в Москве.

Хлебинская школа наивных живописцев за период своего существования пережила как полное отрицание и преследование, так и всеобщее признание и любовь. По свидетельству искусствоведов, период развития феномена Хлебинской школы подошел к концу. Но на наш вопрос о том, что ждет мировое наивное искусство в будущем Владимир Тёмкин отвечает с оптимизмом: «Я думаю, что наивное искусство ждет очень большое будущее. Восприятие меняется. Все больше людей сами занимаются живописью, пытаются самовыражаться и тем самым признают и лучше понимают окружающих людей. Происходит обмен. Человек, который в состоянии понять и принять, хоть академическое, хоть не академическое искусство, может завтра купить и повесить у себя дома работу и наивного художника. Какая разница наивный/не наивный художник? Он творец и если это настоящее произведение искусства, то оно трогает душу, не так ли?».

Выставка «Волшебный мир хорватского наива» продлится до 6 июля в Музее наивного искусства по адресу: Москва, Измайловский бульвар, д. 30. Подробнее на сайте музея http://naive-museum.ru/